《仨個展：展現畫的功能與面向》   
文：張煒森
(原文載《artplus》，第23期（10﹣2913），p.97)

在香港，除了一些公營博物館或私人畫廊的展覽展期較長以外，一般由藝術家自行策展的展覽，展期都較短暫，源於場租製作等開支都很大，就算有資助，展場排期也密密麻麻，能展出十多天已夠幸運，觀眾稍不留神或時間不配，往往錯過好東西，九月上至中旬在兆基創意書院展出的《仨個展》便是其中之一。

實際上，展覽屬一個展場內的三人個展，在同一的空間內分別是區華欣的《斷爛記》、麥秋的《相忘於江湖》及陳素珊的《漫漶幽埋》。三人的個展屬概念性的，具體一點就是「一展覽一作品」，各人作品主要由多幅小型的畫作組成，再有文字敘述、牆上塗鴉，加上書桌等組成一個整體的繪畫裝置。總的來說，作品不算刻意細分成作品A或作品B，硬要分開來看反而破壞了作品的完整性。各作品風格不一，但透過「畫（draw／drawing）」這種行為及媒介作為三人共通的切入點，然後彼此互涉相通。

麥秋以粗糙的筆觸，畫了不同型態的貓狗，由藝術家的自白中可見創作源頭以感性的個人經驗為主導，有些視覺元素或會令觀眾感到費解，但當中大眾共讀的脈絡與經驗仍有跡可尋，作品的風格與題材定能凝聚一堆同路人，這就是我所理解的「江湖」：一、粗糙的畫風一定能抓著一些人的注意力；二、貓狗至於城市中是大眾的共同語，既是寵物也是過客，可自身投射亦可以是客體，借物寄情；三、作品中引用莊子、西西的文字作文本互涉，種種都成為了大眾溝通與想像的橋樑。

至於區華欣的作品，驟然一看會是介於個人與社會的觀察及想像的拼合，大部分的畫作都是單色帶點漫畫風的超現實素描與拼貼，描繪遊走在城市上巨大的獸，或是錯置的場景，加上微小說般的敘述手稿，提示觀眾有關藝術家的存在與介入，也令觀眾更投入作品內的故事，整體看來有點像繪本的形式，又似是對社會的一點回應，而那些對社會的回應是暗示性的，彷如一套電影內零散的出現了可樂的畫面，然後這個影像就嵌入觀眾腦內，到完場之後就無形地想起可樂。跟麥秋雷同，都是感受性強的作品，觀眾容易被畫風所渲染的氣氛帶動 。

陳素珊的作品屬閱讀性強的文本，同時具社會性，表達手法沒大多轉彎抹角，主要利用漫畫，一種源用已久的藝術宣傳手法，再由影印照片、文字、壁報、不同的道具布景板等放置到高底不同的位置中裝置而成。仿效早期利用漫畫作為宣傳工具，一些畫中主角都被黑袋蒙著面呈被捕或遭鎮壓狀，〈圖畫論語〉壁報展示蒙面人示範論語節錄，亦有作品挪用錢穆先生互涉，也有「仆佳」的二次創作，它們非善與美，而是展示藝術家多年對社會議題、歷史、政治至人文思想的想法、諷刺、控訴與累積，呈現社會不公的一面。

綜合三人作品，形式與概念上總有種粗糙散碎的感覺，也處於「尷尬」的狀態，但並不是貶義，相對到博物館、商業畫廊看展覽，作品總會擺放得美輪美奐，但看久了，你總會覺得展覽很裝飾性，資料與打燈守舊古板，展品題材有時並不貼身而顯得有點陳腔濫調或平庸，反觀《仨個展》，從中可見到一種沒經過嚴謹篩選疏理的創作，這是現時藝術中少見的「原始」，又能見到當代藝術中的折衷（eclectic）手法（即用不同的表達手法達成創作的意念）。上文提及的「尷尬」，是指「畫」作為一個美學載體，再透過裝置成為一種格式（format）時，我們所顧及的就不單止是圖象內容本身，而是綜合到客觀世界的環境比讀，亦暗示了我們並不能以普遍的美學觀念來作單一指向與閱讀，這亦是一種去美學的過程，閱讀作品時，我們要不斷跳到各種認知範疇中，但有時又在分析的過程中回到「畫」的美學意識中，穿梭於畫中之「美」與格式之「去美學」的「尷尬」中，然而，這些「尷尬」在商業畫廊中未必能看到。她們三人雖貫徹了「畫」作為他們的視覺語言，但亦對其他的藝術處理方法持開放的態度，利用實際的環境如牆壁塗鴉、現成物等以達到她們認為最佳的呈現方式。

或者有人閱讀作品，喜歡找出藝術家創作的中心思想，你會對這展覽感到失望，因作品呈現的是一種開放論述的狀態，沒有定案。或者你大可批評作品不夠「純」又沒美感，但它們亦簡單地展示了「畫」的多種面向，包括抒情、觀察、想像、矮化與批判。暫且借用「獨立樂隊（indie band）」概念，也許香港藝術生態中，「獨立藝術家」才佔了大多數，他們的創作不一定是另類，只是他們不受市場或創作進度等牽著鼻子。他們沒有受到畫廊委約、策展人邀請，為生活的時間多於創作，而那些藝術家大多自行策展，好處是自由度高，作品、主題甚至聯展中藝術家的人數組合都可由藝術家主導，然而，他們的局限與困難都不少，一方面可能面對資金短缺，規模有所限制，一方面作品未必能充撐場面，在這些局限中，往往見到藝術家的彈性應變，或是自由創作下的「生息」。作品未必達到一些具前瞻性的新視野或視覺經驗，換個高雅文化下的審視框架更是不入流，但正是「雖小道，必有可觀者焉」，這些作品，我們還需珍惜。